Anuario Musical

La investigación musical ante el fraude científico organizado

Emilio Ros-Fábregas — 2025-12-30

Donación de la Biblioteca de Manuel García Matos (1912-1974) a la IMF-CSIC e inventario de su contenido

Emilio Ros-Fábregas — 2025-12-30

Monumentos de la música española y otras colecciones sobre música de Editorial CSIC, en Acceso Abierto / Presentación de la nueva web del Fondo de Música Tradicional IMF-CSIC

Equipo Editorial — 2025-12-30

Publicaciones recibidas

Equipo Editorial — 2025-12-30

El cancionero musical (1599) de Antonio Gutiérrez. Un músico español de Nápoles al servicio del duque de Mantua

Francisco Alfonso Valdivia Sevilla — 2025-12-30

Durante las primeras décadas del siglo XVII, la música vocal en español tuvo una presencia significativa en Italia y otras regiones europeas. El hallazgo de un volumen fechado en 1599 con música original de Antonio Gutiérrez, conservado en la biblioteca del Museo Correr de Venecia, permite ampliar considerablemente nuestra visión del cultivo de la canción en español en tierras transalpinas durante el nacimiento del barroco. Su importancia radica no sólo en el hecho de estar escrito en notación mensural, con acompañamiento de guitarra en tablatura, sino en la relación que guarda con ciertas fuentes manuscritas pues algunas de sus 29 composiciones a dos voces, con música notada y acompañamiento de guitarra, concuerdan con otras fuentes italianas de poesía con alfabeto. El descubrimiento de este manuscrito, dedicado por el propio autor al duque de Mantua, nos permite acercarnos a los artífices del repertorio, y cuestionar algunas asunciones acerca de su procedencia. Este artículo se propone dar noticia de esta nueva fuente en su contexto y contribuir al conocimiento de la figura de su autor, así como tratar algunos de los aspectos técnico-estilísticos más relevantes, como adelanto de una edición crítica de la música que está en proceso de preparación.

La Recepción del Estilo Galante en la Tocata Española del siglo XVIII: Corelli como Modelo

Águeda Pedrero-Encabo — 2025-12-30

Las contribuciones recientes al estudio de la música del siglo XVIII realizadas por Daniel Heartz (2003) han arrojado nueva luz sobre el desarrollo y la difusión del estilo galante desde Italia, el cual predominó en Europa entre 1720 y 1780. Paralelamente, el marco analítico basado en los esquemas galantes identificados por Robert O. Gjerdingen (2007) permite una comprensión más profunda de la naturaleza de este estilo. El presente trabajo tiene como objetivo examinar la recepción del estilo galante en la tocata española para órgano del siglo XVIII. Entre las pocas tocatas conservadas de este periodo, revisten particular importancia dos colecciones procedentes de Valencia, que contienen el corpus más extenso conocido hasta la fecha (E-Bbc M1011 y M1012). Algunas de estas tocatas revelan, en distinto grado, la influencia de Arcangelo Corelli, quien, según Heartz, desempeñó un papel decisivo en la incipiente configuración de este nuevo estilo. Junto a elementos del lenguaje tradicional, presentan una hibridación con los modelos de sonata da chiesa y da camera difundidos por Corelli, así como la incorporación de rasgos estilísticos propios del estilo galante. Destaca especialmente la Toccata a la ytaliana de Vicente Rodríguez, basada en el Concerto n.º 1 Op. 6 de Corelli, la cual demuestra un dominio, a la vez que un manejo libre, de los esquemas del modelo original. También merece especial atención una tocata anónima construida en su totalidad a partir de esquemas galantes, cuya afinidad estilística con la música de Corelli ofrece una evidencia sólida de que sus obras fueron tomadas como modelo compositivo.

¿Parroquial o extravagante? La capilla de música de San Esteban Protomártir y San Vicente Ferrer (Valencia, 1730)

Inmaculada Martínez Ayora — 2025-12-30

Este estudio analiza la tipología de la capilla de música de San Esteban y San Vicente Ferrer fundada en Valencia en 1730. Tradicionalmente considerada como una de las capillas parroquiales que estuvieron en funcionamiento en la ciudad desde mediados del siglo XVII hasta las desamortizaciones del siglo XIX, esta investigación plantea su desvinculación de cualquier institución eclesiástica. A partir del litigio que mantuvo la capilla entre 1727 y 1730 con las capillas de San Juan del Mercado y San Martín, ambas capillas parroquiales, ha sido posible establecer el funcionamiento de la capilla a través de su documento fundacional, determinante para conocer su verdadera condición. Asimismo, el estudio de las capitulaciones revela una estructura gremial, basada en el colaboracionismo entre miembros, la asistencia de estos en caso de enfermedad o fallecimiento, y una gestión interna consensuada. Por último, también ha sido posible establecer quienes fueron los integrantes de esta capilla, cuyo final es todavía una incógnita. En conjunto, esta investigación ofrece una nueva perspectiva sobre el asociacionismo musical en la Valencia del siglo XVIII y sobre las formas de organización autónomas que competían con las capillas institucionalizadas de la ciudad.

Concepto de Obra y Práctica Interpretativa en la Música del siglo XIX: Una Aproximación a través de la Edición Crítica de las Canciones Epañolas de Pauline Viardot-García

Miguel López Fernández — 2025-12-30

Los problemas que planteó la edición del conjunto de canciones con texto en español compuesto por Pauline Viardot-García (1821-1910) llevaron a interrogarme acerca de la condición ontológica de esas obras y de la cultura de la práctica musical de su autora. Este estudio, que persigue responder a estas cuestiones, emplea una metodología al servicio de una ontología histórica de las obras musicales y de una filología en sentido amplio. Los textos musicales de las canciones españolas de Viardot no solo se contemplan como objetos de crítica textual sino también como valiosos testimonios de sistemas de pensamiento y marcos culturales. Los resultados de la investigación pondrán de manifiesto que las concepciones sobre la obra musical y la práctica artística en general de Pauline Viardot no corresponden completamente con las predominantes en la cultura musical hegemónica desde principios del siglo XIX en Occidente. Estas conclusiones tienen importantes implicaciones para intérpretes y editores actuales, pues la fidelidad al pensamiento de Viardot —si es este el criterio en el que basan su acercamiento a esta autora— no se traduce en la lectura exacta de sus textos musicales sino en el respeto a su noción de obra parcialmente abierta. Desde el punto de vista historiográfico, este estudio sugiere una nueva revisión del peso del paradigma de obra cerrada en el llamado periodo de la práctica común y profundiza en los mecanismos de asimilación cultural que pudieron configurar en parte el patrimonio de partituras impresas y, con ello, el canon musical occidental.

«Para unos agua y más agua, para otros diversión». Música, bienestar y sociabilidad en el balneario de Mondariz (Pontevedra, 1898-1931)

Ana Marta Vilar Misa — 2025-12-30

A lo largo del siglo XIX en Europa los establecimientos termales tuvieron un papel crucial en la difusión de la música en regiones apartadas de las grandes ciudades y en clases sociales diferentes, convirtiéndose en focos culturales durante las estaciones estivas. Sin embargo, todo lo relativo a la actividad musical de esta industria dentro de nuestras fronteras se desconoce, con el añadido de que el hábito termal se atribuye a menudo a las altas esferas, olvidando las características inherentes como centros sanatorio que implican la afluencia de todos los estratos sociales. Este trabajo pretende abrir un nuevo campo de investigación en España, el de la importancia para la producción musical y la sociabilidad de los centros balnearios, trasladando esta cuestión a uno de los centros termales de mayor afluencia: el balneario de Mondariz. Un centro al que asisten para curarse personalidades del panorama cultural español, desde escritores hasta cantantes del Teatro Real. Contó con un cuarteto estable destinado a animar conciertos y veladas donde agüistas amateur y profesionales hacen música en sociedad, formado por profesores de la Sociedad de Conciertos, la Sinfónica de Madrid, la Filarmónica, el Conservatorio Nacional y músicos extranjeros en asilo político debido a la Gran Guerra. Asociaciones musicales nacen en el seno del balneario para proporcionar a los operarios una educación elevada. Otros artistas, como la pianista Carmen Pérez García (1895-1978) y compañías de ópera, zarzuela y teatro son parte de la dilatada oferta cultural de conciertos. El amplio espectro social del balneario tiene una consecuencia en el repertorio abarcando obras de Wagner, pero también el jazz o la música tradicional gallega.

El papel de Rollos Victoria en la industria global de la pianola: innovación, expansión y grabaciones olvidadas (1905-1929)

Jordi Roquer — 2025-12-30

Este artículo reexamina el papel de Rollos Musicales Victoria, una empresa catalana de fabricación de rollos de pianola con sede en La Garriga, dentro de la industria global de la pianola entre 1905 y 1929. A partir de materiales de archivo inéditos, correspondencia personal y testimonios orales, se reconstruyen las ambiciones internacionales de la empresa, sus innovaciones técnicas y su uso poco explorado de tecnologías de grabación. Se presta especial atención a los viajes de los hermanos Blancafort a Estados Unidos y Europa, que revelan aspectos clave sobre los procesos de producción y la estrategia comercial de Victoria. El estudio también saca a la luz pruebas convincentes de que la grabación directa en rollo desde el piano —largamente considerada inexistente en España— fue en realidad probada y empleada en las instalaciones de la empresa, aunque nunca se publicitó. Al combinar perspectivas de la musicología, la arqueología de los medios y la historia de la tecnología, este artículo cuestiona las narrativas centro-periferia y presenta el caso de Rollos Victoria como un ejemplo de ingenio local y experimentación artística en un contexto transnacional.

Imágenes del pensamiento metafórico en Noches en los Jardines de España

Yudan Wang — 2025-12-30

Este artículo ofrece un análisis en profundidad de las dimensiones metafóricas y las interacciones intermodales en la composición musical de Manuel de Falla Noches en los Jardines de España. El estudio emplea el marco teórico de Nicholas Cook, que se centra en tres modos de interacción: conformidad, complementación y contienda. Investiga cómo el uso innovador que hace Falla de los elementos de la música folclórica española, las relaciones miméticas entre sonido e imagen y las estructuras cíclicas generan un complejo imaginario metafórico que evoca vívidas imágenes, asociaciones culturales y resonancias emocionales a través de medios puramente instrumentales.

El artículo sitúa el lenguaje metafórico de Falla en el contexto artístico y cultural de la España de principios del siglo XX, arrojando luz sobre su papel en la negociación entre la tradición y la innovación modernista. Al aplicar la teoría de Cook al ámbito de la música instrumental, el estudio desafía las nociones tradicionales de la música como una forma artística autónoma. Destaca la naturaleza intermodal inherente al lenguaje musical y subraya el papel activo del oyente en la construcción e interpretación de metáforas musicales. El análisis subraya la importancia de las correspondencias sensoriales en la configuración de la experiencia musical global.

Eugenio montale y la Atlàntida

Luca Chiantore — 2025-12-30

El día de su controvertido estreno en forma escénica en el Teatro alla Scala de Milán, el 18 de junio de 1962, Atlàntida no fue cantada en catalán, según lo previsto por la partitura dejada inacabada por Falla, sino en una versione ritmica italiana cuyo autor es nada menos que Eugenio Montale, uno de los principales poetas del siglo XX y premio Nobel de Literatura en 1975. Este artículo analiza cómo las limitaciones impuestas por la necesidad de adaptarse a una composición ya existente convierten la aparente incompatibilidad del catalán exuberante de Verdaguer y el italiano austero e incisivo de Montale en un espacio de creatividad capaz de reconfigurar las continuas referencias territoriales, míticas y religiosas del libreto, así como de proporcionar nuevas implicaciones retóricas y simbólicas a intervalos y giros armónicos. Sorteando la fuerte disparidad silábica entre ambas lenguas, Montale diluye la simetría de los alejandrinos originales aportando a la melodía una plasticidad más cercana a la tradición operística italiana, a la vez que labra la sonoridad de cada palabra mediante su característico virtuosismo fonético. Aunque hoy una iniciativa semejante parezca inimaginable, las dos distintas grabaciones que se realizaron, en 1962 y 1963, de la Atlàntida en esta versión italiana son una muestra del potencial que una traducción de este nivel tiene para adaptarse a interpretaciones muy dispares de la obra. En una época como la nuestra, tan abierta a reinterpretar creativamente su propio pasado, su olvido podría estar llegando a su fin.

Waldo de los Ríos y la música popular Argentina en HI FI. Los discos del período argentino (1955-1962)

Julio Ogas — 2025-12-30

Waldo de los Ríos ocupa un lugar destacado en la música popular argentina y española del siglo XX. En su primera etapa (1955-1962) realiza un número importante de grabaciones en las que tiene un lugar preponderante la música de raíz folclórica. En sus arreglos y composiciones confluyen su conocimiento de la música tradicional, su formación académica y su experiencia en el campo de la producción discográfica a partir de su temprana incorporación al equipo de la compañía Columbia en Buenos Aires. Este último campo proporciona una significativa impronta que se pone de manifiesto en el empleo de recursos ligados a las tendencias musicales conocidas, entre otras denominaciones, como lounge music, easy listening o mood music promovidas por diferentes sellos discográficos, entre ellos Columbia. Resultando así, una producción musical que refleja la intención de este músico por encontrar respuestas sonoras al cruce entre las prácticas locales y las que provienen de la modernidad internacional. Es por ello, que es posible enmarcar y analizar su trabajo relacionado con la música de raíz folclórica dentro del espacio de la transculturación compositiva. De forma que su estudio permite apreciar como las versiones y composiciones de Waldo de los Ríos se constituyen en neoculturaciones que reflejan el alejamiento de las construcciones precedentes ligadas al folclore profesional, para plasmar nuevas formas de enunciar o tratar la música reconocida como de tradición folclórica.

¿«El mundo del futuro»? La recepción inicial del rock and roll en España (1956-1959)

Iván Iglesias — 2025-12-30

La llegada del rock and roll a España a finales de la década de 1950 ha sido estudiada como el inicio de la modernidad musical en el franquismo, una ruptura radical con el pasado musical español a nivel económico, social e incluso corporal. Sin embargo, esta recepción inicial tuvo lugar entre 1956 y 1959, en una coyuntura aún precaria y fuertemente intervencionista de la dictadura, y no solo mediante los espacios y medios habituales en su historiografía, como las bases militares, el cine, la radio o las grabaciones sonoras, sino también a través de otros espectáculos y soportes poco convencionales. Además, su acogida no siguió un proceso lineal desde una primera fase de mímesis a otra de creación original. A partir del caso español, este artículo plantea que la modernidad y las narrativas canónicas de la música popular naturalizan determinadas temporalidades, ontologías y mediaciones, marginando otras que no concuerdan con los relatos hegemónicos sobre el rock y su internacionalización.

«Del máximo rigor a la máxima libertad». El serialismo en la enseñanza y creación del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) en Buenos Aires

Daniela Fugellie — 2025-12-30

Entre 1963 y 1971, en el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Di Tella en Buenos Aires constituyó un relevante punto de encuentro para los compositores de América Latina. El plan de estudios diseñado por su director, Alberto Ginastera, procuró ofrecer una paleta amplia de enfoques y técnicas contemporáneas, lo que se refleja también en los docentes internacionales invitados. Este artículo aborda la presencia del serialismo en la enseñanza y creación del CLAEM desde diversas perspectivas: las experiencias previas de los becarios con el serialismo, la postura de Ginastera, los encuentros con algunos docentes extranjeros y especialmente las visitas de Riccardo Malipiero (en 1963), Luigi Dallapiccola (en 1964) y Umberto Eco (en 1970), y finalmente una visión panorámica de la creación de los becarios. Desde estas diversas perspectivas, el serialismo se presenta como un objeto de estudio cambiante que encarna diversos posibles significados. Como observaremos, el serialismo cumplió un rol relevante en las primeras generaciones de becarios, para posteriormente ser desplazado por propuestas más experimentales, la improvisación y la electrónica.

Las obras de encargo de la Real Filharmonía de Galicia (1996-2021): un legado musical contemporáneo

María del Carmen Lorenzo Vizcaíno — 2025-12-30

La Real Filharmonía de Galicia (RFG) es una de las instituciones más relevantes del panorama musical español, ha desempeñado un papel fundamental en la promoción de la música contemporánea a través de un amplio programa de encargos a compositores de diversas generaciones y estilos. Entre 1996 y 2021, la orquesta gallega ha consolidado su compromiso con la creación musical, contribuyendo al repertorio sinfónico contemporáneo y reafirmando su rol como agente activo de la cultura en la región y en el mundo de la música clásica. Este artículo explora las principales obras de encargo realizadas por la RFG en este periodo, destacando su impacto y las figuras musicales que han formado parte de este proceso creativo.